Nada que esconder: estética de la explicitud en la transposición
al teatro musical de Despertar de primavera
Paz Vermal1
Estudiante de Letras, Facultad de Filosofía, Historia, Letras y Estudios Orientales
Universidad del Salvador, Argentina
paz.vermal@usal.edu.ar
Resumen:Spring Awakening,
basado en la obra teatral alemana Despertar de primavera
observables entre un texto y otro. Consideramos que, mediante procesos
expansivos y la exhibición del estatuto teatral, la pieza musical recurre a
una estética de la explicitud que busca plantear y desarrollar de manera más
Palabras clave: Despertar de primavera, Spring Awakening, transposición
literatura/teatro musical, estética de la explicitud, procedimientos
expansivos.
Nothing to Hide: Aesthetic of Explicitness in the Transposition to Musical
Theater of Spring Awakening
Abstract:Spring
Awakening
the theatrical statute, the musical piece resorts to an aesthetic of explicitness
Keywords: Spring Awakening, literature/musical theater transposition,
aesthetic of explicitness, expansive procedures.
1 Con aval de la Dra. Adriana Cecilia Cid, Universidad Católica Argentina, Argentina.
La literatura y las cosas
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Nota al margen
Facultad de Filosofía y Humanidades
Universidad Nacional de Córdoba
Vol. I Nº 2 | julio-diciembre 2023
Introducción
El siguiente trabajo tiene el propósito de realizar un análisis comparatista
entre la obra de teatro alemana Despertar de primavera
2 al teatro musical, realizada por Steven
Sater y Duncan Sheik en 20063. Planteamos que en la segunda, mediante
procedimientos de expansión, se recurre a una estética de la explicitud, tanto
en la puesta en escena como desde la estructura misma. De este modo, Spring
Awakening busca mostrar de forma aún más rotunda las temáticas polémicas
y censuradas de Despertar de primavera.
Para ello, habrá que poner en contexto ambas producciones y el
carácter disruptivo que a las dos corresponde según su época de escritura. En
el caso de la transposición, también debemos recurrir a un análisis semiótico
del teatro musical para comprender mejor su estructura rebelde. Es claro
que, en el paso de una a otra, algunos detalles de la trama y su contenido
observa en Despertar de primavera y Spring Awakening es un cambio en la
las temáticas del primer texto en el segundo. Por lo tanto, no haremos
demasiado foco en los aspectos argumentales de los textos, sino en cómo el
musical se atreve a una representación y estructuración diferente, explícita.
de comunicación. Es algo que alguien crea en un momento determinado,
condicionado por circunstancias concretas que determinan en mayor o
Tanto Despertar de primavera como Spring Awakening surgen en contextos
sociales, a los que no se ajustan en tanto obras teatrales.
con Los tejedores Hedda Gabler La señorita Julia
una estética grotesca y una impronta crítica fuerte hacia la burguesía. Sin
2
en el pasaje del medio literario al medio teatral musical.
3 Despertar de
primaveraFrühlings Erwachen), y al musical, con su título original en inglés,
Spring Awakening.
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embargo, Despertar de primavera logra ir más lejos en cuanto a la exposición
precursora del teatro expresionista y pone en escena temáticas por completo
polémicas para su momento: el despertar de la sexualidad en adolescentes,
el masoquismo, la homosexualidad, el suicidio y el aborto, entre ellas. No es
sorprendente que Despertar de primavera haya sufrido repetidas censuras;
Por su parte, Spring Awakening también surge en la transición entre
dos siglos: la escritura comenzó hacia los noventa y llegó al escenario de
temporada, la acompañaban producciones como los revivals de los exitosos
musicales A Chorus LineCompany
Les MiserablesSpring Awakening, con su escenografía
austera y música de rock
También era diferente el protagonismo de los personajes adolescentes que
lidiaban con cuestiones de semejante peso y profundidad4.
Si bien la pieza teatral y su transposición al teatro musical se diferencian
en varios aspectos, comparten su carácter renovador dentro del género
del siglo XIX ya no lo era a comienzos del XXI, por lo que el musical da un
paso hacia adelante y lleva la puesta en escena de lo tabú a un punto álgido,
y Sheik. Interesa reparar en el interrogante: de qué manera el musical, al
adaptar el material dramático, se postula como pieza artística explícita.
Spring Awakening y la innovación del teatro musical
Una regla no tan tácita del teatro musical es que las canciones deben hacer
avanzar la trama. Comparte esta característica con la ópera, que tampoco
4 Por supuesto, no se puede decir que Spring Awakening haya sido el primer o último musical en apostar
por una puesta en escena y temática diferentes, comprometidas con los problemas de su tiempo. Por
ejemplo, en 1996, RentLa boheme, retrató la crisis del sida de los
Falsettos
mencionar la producción revival de Spring awakening del 2015, en la que se incorporó la lengua de
señas estadounidense a la coreografía y que contó con un elenco en gran parte sordo. De ese modo, se
desde y mediante el cuerpo, además de sumar a la conversación a los grupos con discapacidades físicas.
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elementos musicales, sino drama puesto en música, hecho música. La música
Martínez, 2009, p. 269). Se supone, entonces, que la evolución de la intriga,
y letrista) reconoce que:
No quería escribir letras que hicieran avanzar la trama, por lo que
decidí no seguir esa regla de oro de los musicales. Quería que hubiera
una distinción tajante entre el mundo de lo hablado y el mundo de lo
Aquí, las canciones funcionan como manifestación del monólogo
interno de los personajes. Mientras ellos cantan, se intercalan diálogos o
cuanto a su contenido) están en un plano diferente del de la acción.
Spring Awakening aprovecha las ventajas que ofrece el teatro musical
en particular, que de por sí es un género que no busca replicar de modo
mimético la realidad, sino que se funda en el hecho de formar mundos con sus
cantan injusticadamente
musical más libertad para jugar con la puesta en escena, las transiciones
y los diferentes planos de realidad en los que se desarrolla la trama. Como
se indicó en el párrafo anterior, fue la intención de Sater y Sheik delimitar
expresar sus pensamientos, y otro hablado, donde se juegan las dinámicas
concretas que dan forma a la trama. Sin el contexto y la intervención de los
fragmentos dialogados, muchas canciones no tendrían sentido ni lograrían
Castellanos Vázquez en su estudio semiótico del género, puesto que no están
concebidos para formar la estructura cerrada que el crítico plantea como
Spring Awakening no es
que excedería el marco de este trabajo realizar un análisis puntual de cada
número, tomaremos el número de apertura y el de cierre. Esta selección no
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es arbitraria, sino que nos basamos en la idea de que los incipit y excipit
de todo texto son esenciales para comprender su sentido y el mensaje que
buscan transmitir.
Spring Awakening, se titula
aparece en el escenario, sola, parada sobre una silla mientras se observa
en un espejo y toca su cuerpo. La canción introduce algunos de los temas
principales, como el fracaso de los adultos para dar a sus hijos información y
5
También se plantea el componente religioso que atravesará varias canciones
6
Sin embargo, este número no sigue los parámetros clásicos del número de
apertura, en el que por lo general interviene el ensamble, se introduce a los
personajes principales y se establece el problema central sobre el cual versa
personajes aparecen a medida que se desarrolla la historia. El primer número
de Spring Awakening nos arroja a un mundo de subjetividad en el cual, como
personales.
Vázquez, 2013, p. 123). La canción que cierra Spring Awakening
respuestas sobre el destino de los personajes, sino que cumple la función
de moraleja o mensaje para el público. Ilse comienza a cantar a la audiencia:
7
es una representación del progreso. Por lo tanto, tampoco se conforma a la
5 Traducción propia.
6 Traducción propia.
7 Traducción propia.
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Esto se alinea con la propuesta a gran escala que Spring Awakening trae a
la escena teatral. La historia no puede cerrarse de forma tradicional porque
pretende cuestionar esa misma tradición e historia en la que se inserta y de
tradicionales mediante la renovación de las formas teatrales.
Resulta bastante apropiado que la transposición de Despertar de
primavera sea un fenómeno innovador dentro de su género, al igual que el
Spring Awakening mantiene
consigue llegar un poco más lejos y actualiza la pieza del siglo XIX.
De la literatura al escenario
Spring Awakening apuesta, sobre todo, por la expansión del material original.
orden y se las combina de forma diferente de la original. Incluso hay añadidos
que no son parte del texto alemán. Sin embargo, ninguna escena de Despertar
de primavera
ampliar el contenido, lo cual también implicó reordenarlo según la dirección
que decidieron tomar. La ya mencionada escena de apertura, por ejemplo,
acopla la escena de apertura original y la segunda escena del segundo acto
Mover esa escena al comienzo de la obra nos permitió tomar una
madre que no puede hablarle con honestidad a su hija sobre el sexo8.
8 Traducción propia.
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Spring Awakening se posiciona como un trabajo esencialmente
pieza teatral es de por sí enigmática e inesperada ya que quiebra la estética
naturalista que se había sostenido hasta ese momento y se introduce como
elemento protoexpresionista. En Despertar de primavera, este personaje
posibilidad de crecer y aprender frente a la pulsión tanática a la que lo tienta
adaptar a ese personaje en particular y su razón para decidir omitirlo:
Finalmente nos dimos cuenta de que, dentro de nuestra pieza musical,
la música ya desempeñaba el papel del Hombre Enmascarado, porque
le da un espacio a nuestros adolescentes para celebrar, denunciar y
abrazar sus deseos más oscuros como parte de sí mismos, y no como
algo a lo que escapar o reprimir9
de espectáculos tiene una intención dramática más profunda y se vuelve un
Enmascarado no habría sido tanto una supresión como una expansión a gran
escala que se disemina en todos los números musicales, esa es su intención
dramática. El papel del Hombre Enmascarado trasciende el marco de la
escena y se transforma en un plano diferente donde cada personaje, no solo
Melchior, tiene la posibilidad de expresar sus más profundos sentimientos.
Aunque en un comienzo parece que el Hombre Enmascarado ha sido eliminado
o suprimido de la transposición, en realidad se trata de una transformación
del personaje en el recurso estructurador de toda pieza de teatro musical: las
canciones.
Resulta interesante, entonces, comparar las dos escenas en el
cementerio para entender cómo los dramaturgos estadounidenses resuelven
9 Traducción propia.
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la ausencia del Hombre Enmascarado. En su versión, Melchior pretende
disuaden. Spring Awakening es mucho más amable con Moritz, cuya aparición
queríamos verlo alargar una mano putrefacta en un intento de traicionar a su
Despertar de primavera es tentar a Melchior al suicidio, haciéndole creer que
es la mejor alternativa. La interpretación contemporánea lo convierte, junto
punto más bajo. Para ese momento puntual, el rol del Hombre Enmascarado
para Melchior y para toda la audiencia de que aquellos que se perdieron en el
10
son víctimas de su entorno y su tiempo, jóvenes que murieron por nada, por
la irresponsabilidad de los adultos en sus vidas. En cambio, Sater y Sheik
quieren que sus muertes cobren sentido y no hayan sido en vano. Pueden
El musical contiene muchas instancias de procedimientos expansivos
más a lo largo de la trama, solo mencionaremos algunos. Siguiendo la historia
de los grandes cambios introducidos es la relación entre él y su padre, para
desarrollar con mayor profundidad la exigencia que el adolescente sufre en
su hogar. Esto se logra con la inserción de una escena nueva en el primer
acto, en la cual Herr Stiefel termina golpeando a Moritz por la posibilidad de
haber desaprobado:
10 Traducción propia.
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11
Herr Stiefel le pega a Moritz
Asimismo, se le da voz a personajes que no gozaban de demasiada
importancia en Despertar de primavera. La relación homosexual se insinúa
desde la segunda escena del primer acto, cuando Hans le propone a Ernst,
12
sufren en sus hogares y no pueden contar a sus amigas.
Parte del planteo del musical consiste en ampliar aquello que Despertar
de primavera
elaborar demasiado, lo cual deja abierta la posibilidad para su indagación en
versiones posteriores. Spring Awakening las recoge, y examina y rellena los
tratamiento explícito de las cuestiones polémicas, ya que tienen más margen
para desenvolverse dentro del texto musical.
Estética de la explicitud: nuevos acentos
Como ya hemos mencionado, Despertar de primavera fue de por sí explícita
para los estándares de la época. La sola mención del sexo y el suicidio, y la
puesta en escena de una relación homosexual, entre otras temáticas, fueron
motivo de escándalo. El musical aprovecha el avance con el que se llega al
Spring Awakening no
esconde nada. Con excepción del suicidio per se
13,
toda escena que por decoro se omitiría sucede sobre el escenario bajo una
perfecta iluminación. Para denominar al conjunto de estrategias utilizadas
por la obra, proponemos el término estética de la explicitud: el musical expone
a la audiencia a momentos duros, trágicos y sexuales sin recurrir a símbolos
o expresiones decorosas que los cubran, sino que los muestra en toda su
11 Traducción propia.
12 Traducción propia.
13
Despertar de primavera
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el cierre del primer acto y sucede en el escenario. En Despertar de primavera,
se da a entender por los diálogos de los personajes, sin ninguna acotación
hace un cambio profundo. Ante todo, sustituye el elemento de violación
por una dinámica más amorosa, de exploración mutua y consensuada de la
Melchior la anima:
Fuera de su mirada; tranquilizándola) Soy
solo yo.
Melchior mete la mano dentro de la ropa interior de Wendla, la
acaricia con suavidad)
14
En el transcurso de la escena, los intérpretes actúan la relación sexual
senos ante la audiencia, mientras que el actor que interpreta a Melchior se
baja los pantalones para exhibir su trasero.
El manejo de la luz en toda puesta teatral es de enorme importancia.
El crítico Patrice Pavis, en su libro El análisis de los espectáculos, le ha
ya sea deliberado o no, con lo que se mantiene en las sombras. En el caso
de Spring Awakening, como bien se puede evidenciar en casos como el que
acabamos de comentar, la función de la iluminación es poner a la vista del
público los hechos que por lo general se buscaría esconder. Se pretende, así,
que el espectador pueda entender mejor el problema y cuente con toda la
14 Traducción propia.
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información necesaria, sin ambigüedades o espacios para la conjetura.
El hecho de que las canciones representen los monólogos internos
de los adolescentes también es otra forma de explicitud. No se puede decir
que en Despertar de primavera no haya presencia de la interioridad de los
personajes, pero solo recibimos los fragmentos que comparten entre sí,
con sus compañeros, y unos pocos monólogos más íntimos. En cambio, los
personajes del musical expresan una y otra vez su subjetividad cantando.
Muestran al público todo lo que son y piensan, no se autocensuran. Es por
esto que hay un cambio estilístico entre los diálogos, más apropiados para
la Alemania del siglo XIX, y las canciones, que adoptan un lenguaje y ritmo
contemporáneos. Los adolescentes abandonan expresiones estructuradas y
de decoro, sus monólogos internos son libres, explícitos e incluso poéticos.
En la segunda escena del primer acto, por ejemplo, Moritz le dice a Melchior:
2. Traducción propia), mientras que la letra de la canción que canta unos
15
2).
Además, el mismo estatus teatral está expuesto ante la audiencia. En
primera instancia, la banda se ubica al fondo del escenario, cuando por lo
llamado orchestra pit o foso de orquesta). Luego, cuando los adolescentes
comienzan a cantar, toman micrófonos de mano. Lo tradicional es que los
actores lleven micrófonos pequeños, que se pegan en la mejilla o sobre la
Spring Awakening, como ya dijimos, no esconde nada: cuando los actores
cantan, utilizan micrófonos16
aún menos realistas de lo que ya son. La escenografía es escasa, con vagos
en la escuela, por ejemplo, solo hay un pizarrón y sillas). Incluso se prescinde
escena se superponen y la luz no baja para esconderlos. Los mismos actores
mueven la escenografía y los micrófonos, mientras se desarrollan las escenas.
neobrechtiana, ya que recuerda a los procedimientos de extrañamiento
15 Traducción propia.
16 Esto, desde un aspecto técnico, es innecesario. Los actores llevan los micrófonos tradicionales en
todo momento, por lo cual los micrófonos de mano son una elección arbitraria y estética que contribuye
a la distinción entre el mundo factual y el espectacular.
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la exposición del estatuto dramático en Spring Awakening no es una
representada por actores sobre un escenario que interpretan personajes que
no son reales. Lo importante no es aspirar al realismo de la historia o que el
público tenga la sensación de que así era la Alemania del siglo XIX. La trama
es una advertencia y un punto de partida que interpela al espectador: ¿qué
Conclusión
Ninguna de estas elecciones es infundada, sino que cada una tiene una razón
de ser ulterior: Spring Awakening no quiere cometer los mismos errores que
los adultos de su obra, no engaña a su audiencia. Le recuerda todo el tiempo
que lo que está viendo es teatro, no le esconde sus procedimientos. Uno de
sociedad que se niega a la franqueza por seguir estándares burgueses de
los problemas de crecer y madurar. Spring Awakening tiene la esperanza de
que la audiencia pueda aprender de los errores que pone en escena. No tiene
miedo de mostrar la complejidad de la pubertad y su lado más escandaloso. El
ignorar o revestir de eufemismos en el transcurso de la representación. El
musical logra expandir los límites de Despertar de primavera y llevar al teatro
con sinceridad y explicitud. De este modo, Spring Awakening extiende el
alcance del texto decimonónico sin perder su corazón.
Referencias
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estructura. Telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral, 9
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